2つの写真展 Two Photography Exhibitions

期せずして、1週間のうちに、2つの写真展を訪れていた。

1つは、渋谷のヒカリエホールで行われた、”まなざしの奇跡　日本女性写真家の冒険”という展覧会。

もう一つは、日本橋高島屋で行われた、”ザ・ファミリー・オブ・マン写真展”。

前者は、2024年の夏にアルル国際写真フェスティバルで開催されて、その後世界の各都市を巡回して、14万人が来場したという展覧会を、国内用に再構成したもの。

巡回展では26名の女性写真家の作品が展示されたが、日本では新たに4人が加わり、30名での開催となった。

これまでに、東京都写真美術館や国立新美術館などで目にしてきた作品が数多くあった。

会場がとても広く、展示にも様々な工夫が施されており、作品をゆったりとした雰囲気で楽しむことができた。

戦後の赤線地帯を撮影した常盤とよ子や、沖縄の人々や風景を撮影した石川真生からは、記録としての写真が強く感じられた。

画家としての経験を活かした今井壽惠や、コラージュ作品で知られる岡上淑子からは、アートしての写真を意識した。

広い会場に聳え立つような展示で圧倒する小松浩子や、資本主義社会に消費されていく女性をテーマにしたやなぎみわからは、強烈な社会批判を行う写真のエネルギーが爆発していた。

片山真理や澤田知子は、自らの姿を被写体として晒し、写真の中で強烈に自己を主張する。

厳密には写真ではないが、様々な断片的な映像をつなぎ合わせて、巨大な2つのスクリーンに最後に展示した川内倫子の作品からは、あらゆる現象に価値を求めない、虚無感すら感じた。

もう一つの展覧会は、かつて世界中を巡回した国際写真展のリバイバル展示。

アメリカの有名な写真家で、MOMAの写真部長だったエドワード・スタイケンが1955年に企画した展覧会で、その後世界各地を巡回し、なんと900万人もの人が目にしたという。

日本では1956年に今回と同じ日本橋高島屋で行われて、その際の展示デザインは丹下健三が務めた。その後、日本各地の20ヶ所で開催された。

恋人たち、遊ぶ子供たち、家族、教育、死などのテーマごとに、ロバート･キャパ、ユージン・スミス、アンリ・カルティエ=ブレッソンなどの有名な写真家や、撮影者不詳の作品など、世界中の人々が撮影した写真が、スタイケンによって構成されていた。

世界大戦が終わってから10年しか経っていない当時の姿には、戦争の写真や原爆実験やなど、当時の状況が色濃く刻まれている。

それでも、展示されていた写真からは、人間という存在の、美しさ、儚さ、虚しさ、可笑しさ、そして愛おしさが、自然と感じられてくる。

見終わる頃には、長大な大河ドラマを見終わったような、何十巻にも及ぶ長い小説を読み終わったような、そんな気持ちが沸き起こった。

スタイケンは、写真というものが、どんな力を持っているか、どんなことを成しうるかを、この展覧会を通じて、示したかったに違いない。

そのスタイケンは、ルクセンブルクの出身で、それらの写真は今は同国のクレルヴォー城に恒久展示されているという。

会場の最後には、現代の写真家による、ロヒンギャ難民の子供たちや、地球温暖化によって海に沈もうとしているバヌアツの様子の写真なども展示されていた。

”ザ・ファミリー・オブ・マン”は、現在も世界の至る所で、国籍も人種も性別も違う様々な

人々によって、その作品が作り続けられているのだと、それらの写真から感じられた。

この2つの写真展は、いずれも見応えがあり、写真という存在の持つ力を、改めて感じた。

In the span of a single week, I visited two photography exhibitions.

One was "The Miracle of the Gaze: The Adventures of Japanese Women Photographers," held at Hikarie Hall in Shibuya.

The other was "The Family of Man" exhibition, held at Nihombashi Takashimaya.

The former was a domestic adaptation of an exhibition that had originally premiered at the Rencontres d'Arles photography festival in the summer of 2024; it subsequently toured cities around the world, drawing 140,000 visitors.

While the touring exhibition featured works by 26 female photographers, the Japanese edition added four more, bringing the total number of participating artists to 30.

Many of the works on display were pieces I had previously encountered at venues such as the Tokyo Photographic Art Museum and The National Art Center, Tokyo.

The venue was spacious and the displays were thoughtfully designed, allowing me to enjoy the artwork in a relaxed atmosphere.

Works by Toyoko Tokiwa—who photographed post-war red-light districts—and Mao Ishikawa—who captured the people and landscapes of Okinawa—strongly conveyed the power of photography as a documentary medium.

Works by Hisae Imai, who drew upon her background as a painter, and Toshiko Okanoue, known for her collages, highlighted photography as an art form.

Hiroko Komatsu—whose towering installations dominated the vast space—and Miwa Yanagi—who focused on women being consumed by capitalist society—exuded an explosive energy, using photography to deliver a potent social critique.

Mari Katayama and Tomoko Sawada exposed their own bodies as subjects, powerfully asserting their identities within their photographs.

Though not strictly photography, a work by Rinko Kawauchi—which stitched together various fragmented video clips and projected them onto two massive screens—evoked a sense of emptiness, suggesting a refusal to assign value to any particular phenomenon.

The other exhibition was a revival of an international photography show that had once toured the globe. This exhibition was organized in 1955 by the renowned American photographer Edward Steichen—formerly the Director of the Department of Photography at MoMA—and subsequently toured the globe, drawing an astonishing nine million viewers.

In Japan, it was first held in 1956 at the same Nihonbashi Takashimaya venue used today, with exhibition design by Kenzo Tange; it later traveled to twenty other locations across the country.

Steichen curated a collection of images captured by people from all over the world—ranging from famous photographers like Robert Capa, W. Eugene Smith, and Henri Cartier-Bresson to anonymous contributors—arranging them around themes such as lovers, playing children, family, education, and death.

Reflecting a time just a decade after the end of the World War, the images vividly capture the realities of that era, including scenes of war and nuclear testing.

Yet, the photographs naturally evoke the beauty, transience, emptiness, humor, and lovability inherent in the human condition.

By the time I finished viewing the exhibition, I felt a sense of completion akin to finishing a sweeping historical epic or a multi-volume novel.

Through this exhibition, Steichen surely sought to demonstrate the power of photography and what the medium could achieve.

Steichen was a native of Luxembourg, and the collection is now permanently housed at Clervaux Castle in that country.

At the end of the exhibition space, there were also photographs by contemporary photographers depicting Rohingya refugee children and the nation of Vanuatu, which faces the threat of submersion due to global warming.

These images conveyed the sense that "The Family of Man" is a work that continues to be created today, all over the world, by diverse people of different nationalities, races, and genders.

Both of these photography exhibitions were truly compelling, reminding me once again of the profound power of photography.